Pierre Bonnard: der Meister der schillernden Leuchtkraft, der schwierige Gemälde malte und sie dennoch klar und zugänglich machte

Außerordentlicher Professor für Kunstgeschichte, Australian National University

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Im Gegensatz zu seinem älteren Zeitgenossen Paul Gauguin besuchte Pierre Bonnard Australien nie, dennoch ist Bonnards Einfluss auf die australische Kunst allgegenwärtig und tiefgreifend.

Diese ungewöhnliche und großartige Ausstellung in der National Gallery of Victoria ermöglicht es uns, Bonnard wie nie zuvor zu sehen.

Dies ist zum Teil auf die außergewöhnliche Tiefe bei der Auswahl der mehr als 100 Werke Bonnards für diese Ausstellung zurückzuführen, die größtenteils aus der umfangreichen Sammlung des Pariser Musée d'Orsay stammen.

Zum Teil auch durch einen Geniestreich, der die berühmte Pariser Architektin und Designerin India Mahdavi mit der Gestaltung der Szenografie der Ausstellung beauftragte.

Die Ausstellung ist wie eine kreative Zusammenarbeit zwischen dem Künstler und dem Designer. Architektonische Requisiten, bemalte Wände, besondere Teppiche und Möbel schaffen zusammen eine intime Atmosphäre und schaffen die richtige Stimmung, um sich von der Magie der Farben Bonnards verzaubern zu lassen.

Wie sein Zeitgenosse, der russische Künstler Wassily Kandinsky, studierte Pierre Bonnard (1867-1947) zunächst Rechtswissenschaften. Nach seinem Abschluss gab er es auf, um eine Karriere als Künstler zu verfolgen.

Ebenso wie Kandinsky lebte und arbeitete er im Zentrum der Kunstwelt seiner Zeit. Er war mit vielen der bedeutendsten Künstler verbunden, und doch war Bonnard – wie auch Kandinsky – letztlich ein Einzelgänger, der für sich einen einsamen Weg beschritt.

Im letzten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts bildete Bonnard zusammen mit mehreren anderen jungen Pariser Künstlern, darunter Edouard Vuillard, Maurice Denis und dem Bildhauer Aristide Maillol, eine künstlerische Bruderschaft, die der der Nazarener und Präraffaeliten ähnelte.

Sie nannten sich „Die Nabis“ (ein hebräisches und arabisches Wort für „Propheten“) und übernahmen im Wesentlichen Gauguins ästhetische Haltung des Synthetismus.

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Das Grundargument des Synthetismus bestand darin, dass das von einem Künstler geschaffene Kunstobjekt eine Synthese seiner eigenen Vision, seiner Ausbildung, des beteiligten Mediums sowie des Reizes der dargestellten Szene oder des dargestellten Objekts sei.

Mit anderen Worten: Es handelte sich um eine Theorie, die dem kreativen Menschen größere künstlerische Freiheit bei der Interpretation einer Szene oder Komposition in einem Kunstwerk einräumte, anstatt sie lediglich zu transkribieren.

Zu den frühen Meisterwerken von Bonnard Nabis gehören „Twilight“ oder „Das Krocketspiel“ (1892) und „Paris, Rue de Parme am Tag der Bastille“ (1890). Diese schwelgen in den Qualitäten der abgeflachten Bildfläche, den unerwarteten Blickwinkeln und den starken ornamentalen Eigenschaften.

Siesta (1900), ein großartiges Gemälde aus der eigenen Sammlung des NGV, lässt Bonnard zu einer helleren und leuchtenderen Palette mit abenteuerlichen räumlichen Konstruktionen übergehen.

Angeblich handelt es sich lediglich um ein Gemälde des Modells, das im intimen Raum des Ateliers des Künstlers gezeigt wird.

Betritt man jedoch den Bildraum, erkennt man, dass die Figur aus einem hohen Winkel dargestellt wird. Sie blicken buchstäblich in den Raum, in dem die Masse zerknitterter Laken und weicher, sinnlicher Haut auf die reich gemusterten Tapeten und Teppiche trifft, die sie zu umhüllen und zu umgeben scheinen.

Obwohl die Figur in ihrer Pose auf eine bekannte Statue aus der klassischen Antike anspielen könnte, ist die Darstellung durchaus modern. Der Nachttisch schiebt sich diagonal auf die Figur zu und eröffnet dem Werk eine ganze Reihe Freudscher Interpretationen.

Während sich Bonnard hier durchaus auf so unterschiedliche künstlerische Quellen wie Manet, Matisse und Cézanne stützen kann, ist das Gemälde selbst eine wunderbar gelöste und einheitliche künstlerische Aussage – ein Triumph der visuellen Intelligenz.

Es wird zusammen mit den Fotografien gezeigt, die Bonnard von seinem Modell gemacht hat und die dem Künstler möglicherweise als Ausgangsmaterial gedient haben.

Bonnard ließ sich von der Fotografie und den unerwarteten Blickwinkeln und dem Bildausschnitt inspirieren und setzte diese Strategien in seiner Kunst um.

Das Fenster (1925) ist ein wunderschönes und lyrisches Gemälde, das Bonnard während seines Aufenthalts bei einer Frau namens Marthe in einer gemieteten Ferienvilla in Le Cannet in der Nähe von Cannes im Süden Frankreichs schuf.

Wenn wir aus dem Fenster schauen, sehen wir die roten Dächer der kleinen Stadt Le Cannet und dahinter die weitläufigen Hügel im Cézannes-Stil.

Obwohl seine Hauptbeschäftigung offenbar der Versuch war, die Tonwerte seiner Palette auszugleichen und die kompositorische Struktur durch Farbe zu schaffen, scheint es dem Künstler auch darum zu gehen, das Werk mit einer privaten Ikonographie zu beladen.

Im Vordergrund auf dem Tisch liegen ein Buch und ein Blatt Papier mit Schreibutensilien. Auf dem Balkon erscheint in zentraler Position der Kopf der Marthe, im Profil lesend dargestellt.

Das Buch ist durch eine Inschrift auf dem Einband eindeutig als der Roman „Marie“ von Peter Nansen zu identifizieren, den Bonnard illustriert hat.

Wenn man die visuellen Hinweise zusammenzählt, ist eine mögliche Interpretation, dass Marie Marthes richtiger Name war und dass Bonnard im Jahr der Entstehung des Gemäldes, 1925, schließlich Marthe heiratete. Man könnte spekulieren, dass es sich bei dem Zettel um eine Heiratsurkunde handelt.

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Letztlich war Bonnard der Meister der flirrenden Leuchtkraft, der sehr kluge und schwierige Bilder malte und sie dennoch klar und zugänglich erscheinen ließ. Das offene Fenster, die Tür und vor allem ein Spiegel waren seine Lieblingstricks, um dem Raum eine mehrdeutige, aber überzeugende formale Struktur zu geben.

Seine bemalten Oberflächen haben eine strukturelle Präsenz mit abgehackten, sichtbaren Pinselstrichen.

Im Gegensatz zu den Impressionisten, die den zuverlässigen Weg eingeschlagen haben, Komplementärfarben zu kontrastieren, um sie optisch zum Leuchten zu bringen, stellte Bonnard sich unmögliche Aufgaben wie die Gegenüberstellung von Rosa und Orange oder Zitronengelb und Olivgrün.

Anschließend warf er seine zentralen Figuren gegen das Licht und arbeitete an einer Lösung, bis jeder Ton lebendig, schimmernd und vibrierend wirkte.

Im Kontext der australischen Kunst reagierten zahlreiche Künstler auf seine Arbeit – darunter Emanuel Phillips Fox, Ethel Carrick, John Brack, Fred Williams, Jon Molvig, Brett Whiteley und William Robinson.

Obwohl ich viele Bonnard-Ausstellungen in Australien und im Ausland gesehen habe, ist dies die bewegendste und subtilste Ausstellung, die ich je gesehen habe. Ich verließ die Show geistig erfrischt und mit Tränen in den Augen.

Pierre Bonnard: Designed by India Mahdavi ist bis zum 8. Oktober in der National Gallery of Victoria International zu sehen.

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